Fragen & Antworten

silver spoons & fairy tales – kurz ss&ft – ist mein Atelier für Creative Direction, Dramaturgie, Text und Musik. Hier entstehen Konzepte, dramaturgische Strukturen und erzählerische Ideen für Projekte, bei denen unterschiedliche kreative Ebenen zu einem Ganzen zusammenfinden sollen.
Das Atelier habe ich 2015 gegründet. Es ist der Rahmen für meine eigene kreative Arbeit und für ausgewählte Projekte, an denen ich als konzeptioneller Partner, Dramaturg oder Co-Autor mitwirke.

Mein Name ist Malte Schreer. Hinter silver spoons & fairy tales stehe ich persönlich.
Über viele Jahre habe ich in und mit Musik, Theater und Veranstaltungen gearbeitet. Diese Erfahrungen prägen meinen Blick auf Geschichten, Inszenierungen und kreative Prozesse bis heute. Je nach Projekt arbeite ich mit Menschen aus Regie, Produktion, Design, Technik, Musik und anderen Spezialgebieten zusammen. ss&ft selbst bleibt dabei mein persönliches Atelier.

Nein. ss&ft ist keine klassische Agentur und kein festes Kollektiv. Es gibt keine feste Mannschaft, die für jedes Projekt nach demselben Muster zusammengestellt wird. Ausgangspunkt ist meine eigene konzeptionelle und dramaturgische Arbeit.
Wenn ein Projekt weitere Kompetenzen braucht, entsteht die Zusammenarbeit mit den passenden Spezialist*innen – entweder innerhalb eines bereits bestehenden Teams oder mit zusätzlichen Partner*innen. Nicht jedes Projekt braucht dieselben Menschen. Entscheidend ist, wer für die jeweilige Idee den richtigen Beitrag leisten kann.

Am ehesten als Creative Director, Dramaturg und kreativer Sparringspartner. Oft beginnt meine Arbeit dort, wo bereits eine Vision, ein Thema oder eine bestimmte Wirkung im Raum steht, aber noch kein tragfähiges Konzept. In anderen Projekten gibt es schon viele gute Einzelteile, denen noch eine gemeinsame Richtung fehlt.
Dann geht es darum, Zusammenhänge zu erkennen, Gedanken zu ordnen und eine innere Logik zu entwickeln, an der sich weitere kreative und technische Entscheidungen ausrichten können.
Je nach Projekt kann daraus Creative Direction, Dramaturgie, Text, musikalische Arbeit oder eine Verbindung mehrerer Bereiche entstehen.

Co-Autorenschaft bedeutet, Verantwortung für eine Idee zu übernehmen, ohne deshalb jeden Teil selbst gestalten zu müssen. Gute kreative Arbeit verändert sich im Austausch. Gedanken werden weiterentwickelt, verworfen, ergänzt oder von anderen besser gemacht.
Dabei geht es nicht darum, möglichst viele Einzelideen für sich zu beanspruchen. Entscheidend ist, dass am Ende ein gemeinsamer Gedanke trägt und alle Beteiligten auf ein überzeugendes Ergebnis hinarbeiten können. Entscheidend ist nicht, woher jeder einzelne Gedanke kommt. Entscheidend ist, was daraus gemeinsam entsteht.

Für Projekte, die mehr brauchen als eine einzelne kreative Leistung. Das können Live-Inszenierungen, kulturelle Formate, Film- und Medienprojekte, musikalische Arbeiten oder Projekte für Destinationen, Marken und Erlebniswelten sein.
Besonders spannend wird es dort, wo mehrere Ebenen zusammenkommen – etwa Geschichte, Raum, Musik, Bild, Bewegung oder Technik – und daraus eine gemeinsame Idee entstehen soll.
Die Größe des Projekts ist dabei weniger entscheidend als die Frage, ob ich inhaltlich und dramaturgisch einen sinnvollen Beitrag leisten kann.

Mit Menschen und Organisationen, die kreative Verantwortung tragen und an einer starken gemeinsamen Idee arbeiten wollen. Dazu gehören beispielsweise Produzent*innen, Regisseur*innen, Veranstalter, Produktionsunternehmen, Kultur- und Tourismusorganisationen, Kreativteams, Künstler*innen oder Markenverantwortliche.
Ebenso wichtig ist die Zusammenarbeit mit den Spezialist*innen, die eine Idee später in ihre jeweiligen Disziplinen übersetzen und umsetzen.

Nein. Eine offene Idee reicht oft völlig aus. Manchmal gibt es zu Beginn nur ein Thema, ein Bild, eine gewünschte Wirkung oder die Frage: Was könnte daraus werden?
Gerade in dieser frühen Phase kann ich helfen, Gedanken zu ordnen, Möglichkeiten zu prüfen und daraus einen tragfähigen konzeptionellen Kern zu entwickeln. Ein fertiges Briefing kann hilfreich sein. Voraussetzung ist es nicht.

Ja. Genau dort beginnt ein wesentlicher Teil meiner Arbeit. Aus einer Vision oder einem noch unscharfen Gedanken entwickle ich eine erzählerische und dramaturgische Richtung: Was soll erzählt werden? Welche Wirkung soll entstehen? Was trägt die Idee wirklich?
Darauf bauen Struktur, Inszenierung und die späteren Entscheidungen über Medien, Musik, Bilder, Raum oder andere Gestaltungsmittel auf.

Ja. Nicht jede Zusammenarbeit beginnt am Anfang. Manchmal ist bereits viel entwickelt, aber der rote Faden fehlt. Vielleicht funktionieren einzelne Elemente gut, ergeben zusammen aber noch keine überzeugende Bewegung.
Dann kann meine Aufgabe darin bestehen, vorhandenes Material zu analysieren, Zusammenhänge zu schärfen, dramaturgische Lücken zu erkennen oder eine bestehende Idee konsequenter weiterzuführen.

Beides – meine Rolle richtet sich nach dem Projekt. In manchen Projekten endet meine Arbeit mit einem belastbaren Konzept oder einer dramaturgischen Struktur. In anderen begleite ich die weitere Entwicklung, schreibe Texte, arbeite an Musik, entwickle Szenen oder führe die kreative Linie gemeinsam mit den beteiligten Gewerken bis in die Umsetzung weiter.
Dabei übernehme ich nicht automatisch die Aufgaben anderer Spezialist*innen. Entscheidend ist, dass die ursprüngliche Idee auch in der Umsetzung erkennbar bleibt.

Creative Direction bedeutet für mich, einer Idee eine klare Richtung zu geben und diese über verschiedene kreative Ebenen hinweg zu bewahren. Dazu gehört, die zentrale Idee zu schärfen, dramaturgische Entscheidungen zu treffen und darauf zu achten, dass Text, Musik, Bild, Raum, Bewegung oder Technik nicht nebeneinanderstehen, sondern auf dasselbe Ziel einzahlen.
Creative Direction bedeutet dabei nicht, jede Disziplin selbst auszuführen.
Es bedeutet, den Gedanken zu kennen, der alles miteinander verbindet.

Dramaturgie ordnet Wirkung über Zeit. Sie beschäftigt sich mit Fragen wie: Was muss zuerst passieren? Wann braucht ein Gedanke Raum? Wo entsteht Spannung? Wann verändert sich eine Perspektive? Und wie hängen einzelne Momente so zusammen, dass daraus eine nachvollziehbare Entwicklung entsteht?
Dramaturgie ist deshalb nicht nur die Ordnung von Szenen. Sie ist die innere Logik, die einem Projekt Bewegung und Richtung gibt.

Eine sehr große. Dramaturgie beginnt überall dort, wo Menschen etwas in einer bestimmten Reihenfolge erleben. Das gilt für eine Live-Inszenierung ebenso wie für eine Ausstellung, ein Event, eine Markenwelt, einen Film, einen Song oder eine multimediale Erfahrung.
Auch ein Raum, ein musikalischer Wechsel, eine Lichtstimmung oder der richtige Moment für Stille können dramaturgische Funktionen übernehmen.
Entscheidend ist nicht das Medium, sondern die Frage, wie sich Wahrnehmung und Bedeutung im Verlauf verändern.

Dramaturgie entwickelt die innere Bewegung. Creative Direction sorgt dafür, dass diese Bewegung in allen gestalterischen Ebenen erkennbar bleibt. Die Dramaturgie fragt zum Beispiel nach Entwicklung, Rhythmus, Übergängen und Wendepunkten. Creative Direction übersetzt diese Logik in Entscheidungen über Text, Musik, Bild, Raum, Bewegung, Farbe oder Technik. Beides lässt sich deshalb in meiner Arbeit kaum vollständig voneinander trennen.

Storytelling hilft dabei, einer Idee Bedeutung und Perspektive zu geben. Text ist eine mögliche Form davon – aber nicht die einzige. Manche Geschichten brauchen Sprache. Andere erzählen stärker über Bilder, Musik, Räume, Bewegungen oder Symbole.
Wenn Text Teil eines Projekts ist, arbeite ich an seiner Funktion innerhalb des Ganzen: Was muss gesagt werden? Wer spricht? Welche Perspektive trägt? Und was lässt sich besser erzählen, ohne es auszusprechen?

Musikalische Dramaturgie beschreibt, welche Aufgabe Musik innerhalb einer Geschichte oder Inszenierung übernimmt und wie sie sich im Verlauf entwickelt. Ein Motiv kann Erinnerung schaffen, ein Wechsel die Perspektive verändern, ein Bruch einen Wendepunkt markieren und eine Pause mehr Spannung erzeugen als zusätzliche Lautstärke.
Dabei geht es nicht nur darum, welche Musik erklingt. Ebenso wichtig sind Zeitpunkt, Dauer, Entwicklung und das Verhältnis zu Bild, Raum, Text oder Bewegung.
Musik erzählt auch durch Beziehungen, Veränderungen und Erwartungen.

Idee, Konzept und Texte entwickle ich selbst. Auch die dramaturgische Richtung – Perspektive, Entwicklung, Atmosphäre und gewünschte Wirkung – entsteht aus diesem Ausgangspunkt. Für die konkrete musikalische Ausarbeitung nutze ich heute auch KI-gestützte Werkzeuge. Ich bin weder ausgebildeter Instrumentalist noch professioneller Sänger und möchte auf meiner Website auch nicht den Eindruck erwecken, ich würde Instrumente einspielen oder Gesang aufnehmen, wenn das nicht der Fall ist.
Stattdessen arbeite ich iterativ mit musikalischen Entwürfen: auswählen, verwerfen, neu ausrichten, Text und musikalische Form aufeinander abstimmen und so lange schärfen, bis die Fassung für mich als Song funktioniert. Das Mastering überlasse ich spezialisierten Partnern. Veröffentlicht wird nur Musik, hinter der ich selbst stehe. Einige dieser Arbeiten sind auf Spotify und Apple Music zu hören.

Indem jedes Medium eine klare Aufgabe innerhalb derselben Idee erhält. Musik muss nicht dasselbe erzählen wie ein Bild. Bewegung muss einen Gedanken nicht illustrieren. Und Technik sollte nicht allein deshalb eingesetzt werden, weil sie verfügbar ist. Spannend wird es, wenn unterschiedliche Ebenen sich ergänzen, kontrastieren oder gegenseitig Bedeutung geben.
Dafür braucht es eine gemeinsame dramaturgische Richtung: Was führt? Was reagiert? Was bereitet einen Moment vor? Was verändert ihn?
Nicht alles muss dasselbe sagen. Aber alles sollte Teil derselben Geschichte sein.
→ Case Study: vom Core Concept zur EP

Mit einem Gespräch über die Idee, das Ziel und den Kontext des Projekts. Wenn wir uns noch nicht kennen, geht es zunächst darum, ein Gefühl füreinander zu bekommen und zu prüfen, ob die Zusammenarbeit fachlich und menschlich passt.
Ein fertiges Briefing ist dafür nicht nötig. Wichtiger ist, zu verstehen, was entstehen soll, welche Fragen noch offen sind und an welcher Stelle ich sinnvoll einsteigen kann.

Zuerst wird geklärt, was das Projekt wirklich braucht. Daraus entsteht der passende Arbeitsprozess. Am Anfang stehen meist Gespräche, vorhandenes Material, erste Ideen oder bereits getroffene Entscheidungen. Daraus entwickle ich eine konzeptionelle oder dramaturgische Grundlage und schärfe sie im Austausch mit den Beteiligten.
Je nach Projekt folgen daraus Texte, Szenen, musikalische Überlegungen, Storyboards, Abläufe, Präsentationen oder andere Arbeitsgrundlagen für die weitere Umsetzung. Der Prozess ist dabei nicht starr. Gute Ideen verändern sich, wenn neue Erkenntnisse, technische Bedingungen oder andere Perspektiven hinzukommen.

Auf Augenhöhe und mit klaren Verantwortlichkeiten. Jede Disziplin bringt Wissen mit, das sich nicht durch eine andere ersetzen lässt. Meine Aufgabe ist deshalb nicht, Regie, Design, Technik oder Produktion zu überstimmen, sondern eine gemeinsame konzeptionelle und dramaturgische Richtung mit ihnen weiterzuentwickeln.
Dazu gehört auch, Fragen zu stellen, Widersprüche sichtbar zu machen und offen anzusprechen, wenn eine Entscheidung die ursprüngliche Idee schwächt. Genauso gehört dazu, die eigene Position zu verändern, wenn eine andere Lösung besser trägt.

Ja. Sehr gern sogar. Viele Projekte brauchen keine zusätzliche komplette Struktur, sondern eine weitere Perspektive innerhalb eines bereits starken Teams.
Dann kann ich beispielsweise als Creative Director, Dramaturg, konzeptioneller Sparringspartner oder Co-Autor einsteigen und dort Verantwortung übernehmen, wo die verschiedenen Ebenen des Projekts zusammengeführt oder geschärft werden müssen. Die genaue Rolle sollte dabei allerdings von Anfang an klar sein.

Beides. Konzeption, Textarbeit, dramaturgische Entwicklung und viele Abstimmungen funktionieren sehr gut remote. Für Proben, Workshops, Besichtigungen, kreative Arbeitsphasen oder die konkrete Umsetzung ist die Arbeit vor Ort oft sinnvoll oder notwendig.
Ich arbeite überwiegend auf Deutsch und Englisch. Entscheidend ist weniger der Ort als die Frage, welche Form der Zusammenarbeit dem Projekt am meisten hilft.

Das hängt von meiner Aufgabe im Projekt ab. Das Ergebnis kann ein Konzept, eine dramaturgische Struktur, ein Treatment, ein Text, ein Script, ein musikalischer Ansatz, ein Szenen- oder Ablaufkonzept oder eine konkrete Creative Direction sein.
Bei anderen Projekten besteht meine Arbeit weniger in einem einzelnen Dokument als in der kontinuierlichen kreativen Begleitung bis zur Umsetzung. Wichtig ist, dass das Ergebnis verständlich, anschlussfähig und für die nächsten Schritte nutzbar ist.

Projektbezogen – nachdem klar ist, welche Aufgabe ich tatsächlich übernehmen soll.
Ein kurzer dramaturgischer Sparringsprozess braucht einen anderen Rahmen als die Entwicklung eines vollständigen Konzepts oder eine längerfristige Creative Direction bis in die Umsetzung.
Deshalb gibt es bei ss&ft keine standardisierten Leistungspakete oder pauschalen Preislisten. Nach einem ersten Gespräch lässt sich meist gut einschätzen, welche Form der Zusammenarbeit sinnvoll ist und welcher zeitliche und finanzielle Rahmen dazu passt.

Eine große – weil kreative Entscheidungen nie vollkommen neutral sind. Jede Geschichte setzt Schwerpunkte, wählt Perspektiven und beeinflusst, was Menschen wahrnehmen, fühlen oder erinnern.
Haltung bedeutet für mich deshalb nicht, jedem Projekt eine Botschaft aufzuzwingen. Sie beginnt mit der Frage, warum etwas erzählt wird, welche Perspektive dabei eingenommen wird und wofür man mit dem Ergebnis stehen möchte. Das gilt für eine große Inszenierung ebenso wie für einen Song, einen Text oder eine einzelne Szene.

Vor allem danach, ob ich inhaltlich einen sinnvollen Beitrag leisten kann und ob die Zusammenarbeit grundsätzlich zu mir passt. Die Größe oder Bekanntheit eines Projekts ist dabei weniger wichtig als seine Idee, sein Anspruch und der Raum, tatsächlich etwas gestalten zu können.
Ich muss nicht mit jeder Ausgangsposition übereinstimmen. Ein Projekt darf herausfordern, überraschen oder auch Widerspruch erzeugen. Aber ich möchte verstehen können, warum es entstehen soll – und hinter dem Ergebnis stehen können.

Wenn lediglich eine schnelle kreative Oberfläche gesucht wird, ohne dass an der zugrunde liegenden Idee gearbeitet werden soll. Auch für reine Ausführungsaufträge, bei denen Konzept, Dramaturgie und Richtung vollständig feststehen und nur noch eine einzelne Leistung abgearbeitet werden soll, gibt es häufig passendere Spezialist*innen.
Und natürlich gibt es Themen, Botschaften oder Akteure, mit denen ich aus inhaltlichen oder kulturellen Gründen nicht zusammenarbeiten möchte. Das ist keine Frage künstlicher Exklusivität. Gute Zusammenarbeit braucht schlicht eine gewisse Passung.

Ja. Ein aktuelles Beispiel ist „Confluentes“ bei Rhein in Flammen® Koblenz 2026.
Im Rahmen meiner Tätigkeit für die Koblenz-Touristik GmbH habe ich an der strategischen, konzeptionellen und dramaturgischen Entwicklung der Inszenierung gearbeitet. Ausgangspunkt war nicht die Frage, welche Bilder sich mit Drohnen zeigen lassen, sondern welche Geschichte der Abend erzählen und welche Haltung darin spürbar werden sollte.
Daraus entstand eine Gesamtidee, in der Drohnenbilder, Musik, Farbe, Übergänge und Höhenfeuerwerk auf einen gemeinsamen dramaturgischen Bogen ausgerichtet wurden.
Auf der Projektseite gebe ich einen persönlichen Einblick in die Entwicklung von „Confluentes“, die Creative Direction und die Zusammenarbeit der beteiligten Disziplinen.
→ Mehr über „Confluentes“ und Rhein in Flammen® Koblenz 2026

Am einfachsten, indem du mir erzählst, was du vorhast. Es braucht dafür weder ein fertiges Briefing noch eine ausgearbeitete Präsentation. Eine Idee, eine Frage, ein Problem oder eine erste Ahnung davon, was entstehen könnte, reicht für den Anfang.
Dann können wir gemeinsam herausfinden, ob ich der richtige Partner dafür bin und an welcher Stelle meine Arbeit sinnvoll beginnen würde.
→ Erzähl mir davon.